【🍔攝影挑戰】 用手電筒 手機 大麥克拍人像

【🍔大麥克挑戰】看看法國的人像攝影師Philippe Echaroux在這個挑戰中如何用手電筒、手機、還有大麥克拍攝人像，沒錯，就是麥當勞的大~麥~克。所有拍攝與後製都在手機完成。

連結▶ http://www.boredpanda.com/big-mac-box-iphone-portraits-phi…/

攝影器材設備對我們來說是工具、是達到心目中理想影像的途徑，是最基本但不是最重要；我們一直不斷地進修、每個月也都不斷添購更新器材，然而我們不希望被外在的設備、技術侷限或定義我們的作品。
因此我們也不曾以打燈與否、或打燈方式去定義我們的拍攝風格。因為我們相信賦予影像靈魂的不是攝影師手中的相機，而是頭腦裡裝的東西。

【It's something in our head rather than gears in our hands.】

What makes Square O' Tree unique is never our equipment or composition, lighting, editing, grading, or retouching techniques. It's how hard we work to tell your beautifully unique story. It's something in our head rather than gears in our hands.

幕後花絮影片 ▶ https://www.youtube.com/watch?v=lWGkw-eOOX4

#片尾還有大麥克打燈法加碼小訣竅 😂
#腦袋比器材重要
#別再跟攝影師朋友說哇這張照片好棒啊是用什麼相機拍的XD

美國攝影師 Brooke Shaden: Unlimited imagination 想像力無限

via Brooke Shaden

by susu

an inspiring post from Brooke Shaden

今天看到一位美國年輕攝影師勵志又感人的貼文，忍不住跟大家分享!

她貼出了自己六年前年僅22歲時的作品，在狹小的公寓中空間已經不多，床又侷限了她能拍照的範圍，但她卻成功地重現了當時心中的童話故事。

 我們也許都曾在某個階段抱怨過懷才不遇，抱怨時間不夠多、空間不夠大、或資源不夠多; 然而，「相信自己」與「無限想像力」的力量卻可能遠遠超過這些障礙。

【便所讀物】Dalí by Gilles Negret ㊣最霸氣的夢想，就是成為自己㊣

by S.

Everybody wants to be "somebody"-- but Dalí didn't......

今天的便所讀物是從龐畢杜帶回來的紀念品: Dalí by Gilles Negret 。


達利六歲時立志成為一個廚師(堅持用陰性名詞)，七歲時想成為拿破侖。他說，他的野心跟他的自大不斷地擴張(我說這叫霸氣)，他說，「現在我只想當達利，沒有更大的願望了。」("Now I want only to be Salvador Dalí, I have no greater wish." p.7)


不愧是那個--因為政治傾向不同而被"逐出"超現實主義的藝術團體後，說出「我自己就是超現實主義」( "I myself am surrealism" )的霸氣藝術家。

許多藝術家開始於摹仿，有個可以仰望的對象讓人成長，然而有一天必須要明白，最珍貴的願望就是成為自己，那個與眾不同、沒有人可以搶走的自己。


想起這首用可愛輕快旋律掩飾悲傷歌詞的歌，每個人都獨特而耀眼卻都想成為別人。

【錄像】芬蘭非營利組織短片 如果孩子可以選擇他們的父母.....

https://www.youtube.com/watch?v=i46h9dAaDfo


芬蘭的Fragile Childhood所製作的短片。想要領養孩子的父母到孤兒院，挑選喜歡的孩子。但小孩似乎都無法選擇自己的父母，

短片一開始反轉了這種情形，超現實的氛圍中，
兩個孩子看著一對對玻璃罩下幸福和樂的爸爸媽媽，滿懷欣喜，眼中充滿期待。
但是影片最後孩子被殘酷地拉走，來到了酗酒的爸媽前面......




“Children can’t choose their parents. But what if they could?"

我們都知道孩子不能選擇他們的父母，但是如果他們可以呢？父母會因此對自己的行為有不同的選擇嗎?

【攝影筆記】Leica 一百週年廣告-重現經典 & 羅蘭巴特

http://leicagallerysp.com.br/

https://vimeo.com/107798908

brilliant commercial! It reminds me of Roland Barthes' thoughts about how photography is related to drama/death.
Leica紀念一百週年的廣告，找了許多演員、場景，利用透視、運鏡等錄像動態效果，重現一張接著一張許多攝影史上的經典照片，人物場景都非常相似但卻活了起來、讓人驚歎，也讓我想起了羅蘭巴特對攝影之所以為藝術的論述。
羅蘭巴特認為攝影之所以接近藝術並非因為「繪畫」，而是因為「戲劇」，因為攝影與戲劇兩者間有一獨特的中繼者「死亡」。演員的化妝就是將自己的身體當作活的也是死的。「人們急欲設想生動的相片，攝影卻像原始劇場，一如活人扮演的靜態畫(Tableau Vivant)，在那啞角粉飾僵止的表面之下，我們看到的是死者。」（p.41 羅蘭巴特著，許綺玲譯，1997，《明室》 台灣攝影）照片所提示的過去未來式，觀者為了早已發生的災難而顫慄、而悲傷。如同Nan Goldin 所說的，“I used to think that I could never lose anyone if I photographed them enough. In fact, my pictures show me how much I've lost.”

戰地攝影師James Nachtwey "If we don't, who will?"

by susu

幾年前，第一次看關於戰地攝影師James Nachtway的紀錄片 "War Photographer" 我寫下了：

"If we don't, who will?" -by James Nachtwey, documented in the film "War Photographer," the first person with such a monotonous voice that can give me goosebumps by one single sentence.

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沒錯，我很難相信，世界上存在一個有這麼單調、沈悶語調的人，可以只用一句話給了我滿身的雞皮疙瘩。

紀錄片中他說「如果我們不做，誰會做？」歷經同為攝影記者的朋友就在身旁死去，看到無辜生命的逝去，戰爭的殘酷無情，總是冒死工作，有時還要面對輿論說他們消費了為戰爭痛苦的人們。旁人無法理解的付出，他淡淡的一句話就帶過了。

同樣的這個演講，他劈頭就開了玩笑，他說，對一個一生都想隱身於世人之前的人要演講，大概就像靈魂出竅(完全了解...)還有鹿衝到馬路忽然發現被迎頭駛來的車頭燈照到那樣傻了，所以他必須違反TED規定念稿，哈。不過，下面這段話，又再度讓我起雞皮疙瘩了......

"In the midst of the wreckage at Ground Zero, I had a realization. I'd been photographing in the Islamic world since 1981, not only in the Middle East, but also in Africa, Asia, and Europe. At the time I was photographing in these different places, I thought I was covering separate stories. But on 9/11 history crystallized, and I understood I'd actually been covering a single story for more than 20 years. and the attack on New York was its latest manifestation."  -James Nachtwey

二十多年來，他到過回教世界拍攝，不只是中東，還有非洲、亞洲、歐洲，他原以為他在拍攝報導不同的故事，但是911紐約的攻擊事件後，他才發現，原來，他一直在拍同一個故事......


多麼悲傷的體認......

https://www.youtube.com/watch?v=_mzUCKYWtP8

【展覽】 胡朝聰個展『交界迷蹤』@尊彩

written by kato
edited by susu

透過臉書的訊息得知，學長在尊彩藝術中心有新的個展，於是便挑個假日的午後去參觀。

從大學時期就認識朝聰學長，因為打球的關係認識，覺得學長是個熱愛運動、衝浪、熱愛大自然、很陽光的人，或許因為這樣的個性，使學長在創作過程中會關心大自然與城市的議題。

在都市化（進化）？的過程裡，產生了所謂的文明建築、公共空間、人造的遊憩休閒空間，開始逐漸侵蝕吞噬著原本未開發、人為痕跡較少的場域。經過了演化的過程，一道道侵蝕界線開始出現，也產生許多格格不入的區域，像是人造物出現在原本源於自然的場域，或是人造的空間裡，遺漏了一小塊沒有被改造、依舊保持自然樣貌的小天地。

在人造與自然（或進化與原始）兩者間的通道、及改造前的藍圖，都是畫作中重要的元素，也透露了作者所關心的議題，作者似乎想藉由創作追尋原本自然的痕跡。

都市更新裡，交通常是第一改變的首選，因此，橋梁、馬路及號誌 ，也頻繁出現在作品裡。一些自然的符號也經常出現在畫作裡的交通號誌中，凸顯了這樣的矛盾：現代化使我們必須行駛在人工的馬路上，才能追尋心中的大自然。


另外，在許多橋梁的畫作裡，有看似橋梁藍圖的白色線條 ，原本不屬於這空間的陸橋，由藍圖（透視圖）的產生 ，到實體的建造完成， 在畫面裡讓人感受到巨大的壓迫。

德國攝影師 Carsten Witte‘s project: Intutition

by susu

Carsten Witte官網 

Project by Carsten Witte: 

Intuition (Everything Must Change)

透過這組作品德國攝影師 Carsten Witte想要表達的信念是萬物持續不斷改變，但攝影可以保留這個瞬間。如果不了解美消逝地有多快，就無法欣賞美。 

A very inspirational video about how how artists struggle in the beginning

The gap between the taste and skill




Via http://petapixel.com/2014/02/04/gap-inspirational-video-artists-struggle-beginning/